maty

Cette année j'ai décidé de travailler sur le thème de Traces et Signes.

J'ai utilisé de la toile enduite  non montée sur châssis.

Je l'ai  disposée sur le sol et je l'ai enduite de gesso et d'enduit acrylique. Avant que les produits sèchent j'ai saupoudré la toile de sable provenant des murs de la maison et de sable du désert tunisien.

J'ai versé de la peinture acrylique gris clair et l'ai répandue à l'aide d'un pulvérisateur rempli d'eau en soulevant la toile pour réaliser des coulées telles que je les concevais. J'ai complété avec de la peinture acrylique blanche.

Une silhouette humaine apparaît: sable du désert couleur ocre, ainsi qu'une élancée vers le haut à droite.

J'ai retravaillé l'ensemble avec le désir d'en garder toute la spontanéité et l'élan.

J'ai lesté le haut et le bas d'une tringle métallique. Le tout mesurant 103 X167 cm peut servir de tenture ou de séparation.

Avant de commencer la réalisation, j'ai fait le vide dans mon esprit, j'ai laissé aller la peinture et le sable. Les souvenirs d'un séjour dans le désert sont-ils réapparus? Des traces ont-elles ressurgies? L'inconscient at-il fait son chemin? Quel signe et quelle signification?

Je l'ai intitulé Mémoire de sable.

              Au mois de mars 2010, j'ai écris ma première nouvelle.

ELLE

Etrangement, je n’ai pas gardé beaucoup de souvenirs d’elle. Quelques images : un talon aiguille rouge surgissant de la  portière ouverte d’une twingo noire, qui se pose un peu instable sur le trottoir. Le second escarpin rouge, suivi des genoux ronds qui se prolongent en cuisses fermes, devinées sous la jupe. Elle s’extrait de la voiture. Son regard s’oriente vers le visage masculin, barré d’une moustache épaisse et rousse. Elle lui sourit. Elle domine d’une tête l’homme qui l’attend et qui lui tend une main aux doigts tavelés de taches de rousseur. D’un geste tendre, il met légèrement la paume de sa main sur le bas de ses reins, juste au-dessus de l’arrondi des fesses.

Je l’ai vue, et je peux ressentir le frisson qui est, alors, monté le long de son dos.

Je l’ai vue, par hasard, c’était ma femme. Celle pour qui j’avais imaginé une vie romantique, me voyant lui cueillir les fleurs sauvages des prés. Je l’avais aimée, admirée. Elle appartenait à un autre monde que le mien. Mes études s’étaient arrêtées très tôt. Fils de maçon, je me suis mis très vite à manier la truelle et le ciment. J’avais honte de mes mains crevassées et rugueuses. Je n’aimais pas les gens qui savaient écrire sans fautes d’orthographe et qui parlaient si sérieusement et si bien. Elle enseignait. A l’aise dans le petit cercle d’instituteurs et de parents d’élèves, elle rêvait de cinéma, de théâtre, de fêtes, d’invitations. Je nous avais construit une maison, au milieu des restanques, solide, qui ne craignait ni les pluies diluviennes du midi, ni le mistral. Aux fleurs que j’avais plantées dans le jardin, elle a préféré les restaurants, les stages, les sorties entre copains. Elle appréciait l’intelligence de ce roux, ses idées de gauche, sa générosité et son admiration pour les femmes. 

Elle a tout laissé. Pourtant, la maison était vide. Elle était partie.

J’ai rasé ma moustache.

Etrangement, d’elle, il ne me reste que des lambeaux de mémoire. Une voix : « Allo, c’est toi, tu me manques », appels téléphoniques de la cabine. La postière derrière son guichet, ne peut qu’entendre les mots doux adressés à l’amant. Je me souviens aussi du martellement  de la pluie sur la tôle de la voiture, scandé par le balancement régulier des essuie-glaces et soudain sa silhouette trempée de pluie, sur le bord de la route. Elle avait fui. Je l’ai recueillie.

 Les rosiers devenus hauts et toujours emplis de fleurs d’un  rouge si  profond qu’il en est presque fluo, se détachent à longueur de printemps et d’étés, sur le gris soyeux de la  Ste Victoire. Ils ne se souviennent pas de son sécateur. L’eau de la piscine qui glissait sur son corps, qu’elle avait dévêtu rapidement pour s’enfoncer dans la profondeur liquide, à l’abri des regards, ne garde pas dans sa transparence la nacre de ses seins. Elle était ma femme, mon épouse. Elle avait aimé mes mains, « différentes de celles des autres » disait-elle, aux doigts toujours un peu refermés, parsemés de taches de rousseur. Elle tressaillait lorsque je frôlais de ma paume la chute de ses reins cambrés. Mais elle rêvait de culture et de littérature, d’Art. Elle peignait et écrivait. Elle adorait les visites dans les musées, les expositions dans les galeries et les spectacles de danse. Je supportais mal de l’accompagner et m’impatientais, incompétent, ne comprenant rien. Un mur nous séparait de plus en plus sûrement. Le sport, le monde politique  et la gente féminine, m’intéressaient bien davantage.

Elle aimait les escarpins rouges. Elle a voulu sa liberté.

Elle a tout laissé, même la chatte Lisa.

Je suis resté seul, allant du grand canapé à un autre, du rez-de-chaussée à l’étage et de la terrasse au jardin.

J’ai rasé ma moustache rousse.

Plus de souliers rouges, une main fine, aux doigts d’artiste,  posée sur mon cou.

Il n’a jamais porté de moustache.

                                                                                             Maty

« Paradis conjugal » ou l’art de montrer la bêtise, l’anéantissement intellectuel de la femme du 21^ème siècle, devant un film américain passant en boucle sur l’écran de télévision.

Ce film « Chaînes conjugales de Joseph L.Mankiewich en noir et blanc, est une réflexion cynique sur le mariage, l’amour conjugal, la suspicion et la manipulation. Egalement une critique de la société américaine. « Récompensé par plusieurs Oscar, Chaînes conjugales est un film précurseur, d’une modernité étonnante. Sorte de Desperate Housewives de la fin des années 1940, le film n’a pas pris une ride, autant virtuose dans sa mise en scène que pétillant dans ses dialogues. A consommer sans modération. »

Décrit par Alice Ferney, ce film hollywoodien d’avant garde, devient une copie conforme de la série « Dallas » avec son J.R. Comment une femme mûre, ayant quatre enfants, émancipée, danseuse, aimant l’art, intelligente, peut-elle s émouvoir de ces jolies moues, de ces comportements enfantins et capricieux, et en tirer des leçons pour analyser ses propres problèmes conjugaux ?

Il est vrai que ce roman semble se passer aux Etats-Unis, mais alors, c’est nous montrer de la femme américaine une image pâle mais fardée, dont le cerveau paraît gros comme un petit pois, portant talons aiguilles pour aller pique-niquer au bord d’un lac !

J’ai été irritée tout le long de ce livre par les descriptions de femmes toutes plus magnifiées les unes que les autres : « merveilleuse parce que romantique et tendre malgré ses artifices ». Bien sûr, « elle était follement aimée de son mari sans l’avoir deviné ». Assez d’eau de rose et de collection Arlequin. A qui s’adresse Alice Ferney ? Son analyse de la vie conjugale, de l’amour, des liens avec les enfants, de la séparation et de l’âge est sublimement superficielle ! Ce va et vient entre la réalité de la vie et les arrêts sur image du film, comique !

J’ai dû vraiment prendre sur moi pour continuer la lecture. Ce n’est qu’à la fin du roman, que mon intellect a pu enfin se satisfaire par une belle description de l’acte d’amour et du plaisir féminin. Quelles images, quels mots poétiques pour évoquer l’attente, le désir qui s’amplifie, les tressaillements, résonnances de la sensualité, l’appel du sexe, fleur épanouie. Quelle justesse dans les métaphores pour dépeindre ce qui lie le corps à l’esprit dans ces instants d’amour pur que sont l’extase et la jouissance.

Ni pornographie, ni voyeurisme, ni vulgarité. Enfin l’héroïne devient « femme ». Mais il aura fallu plus de 350 pages pour toucher à une réalité conjugale pleine d’amour vrai.

Ce tableau a été réalisé en décembre 2008, à un moment donné de ma vie.

Il s’agit de mon premier autoportrait créé en pleine conscience.

J'ai utilisé des collages de papiers et autre, brou de noix, encre de Chine, crayons aquarellés, sur toile de jute, cadre en bois peint usagé.

Chaque élément du tableau a une signification :

Ø      Le vieux cadre gris : la vie qui passe, la sagesse, l’inconscient qui demande à être éclairé et clarifié, gris de l’espoir.

   Ø Tristesse des regards                 

    ØDémission : les bras le long du corps

              ØUn seul détail en  couleur : le rouge, symbole du principe de vie, avec sa force sa puissance et son éclat. Couleur de l’âme, de la libido, celle du cœur, mais aussi de la faute et de l’interdit. 
 ØNoir : Sans avenir, sans espérance mais aussi capitale de vie latente (terre noire, nuage noir, eaux profondes noires).

     ØBrun : la terre, feuille morte, automne, tristesse.

     ØLe miroir vide : solitude

     ØLe cadre brisé : une fêlure

     ØLe masque : vise à contrôler le monde invisible. Expression de la concentration et de la réceptivité, médiateur entre deux forces.

     ØLa corde à moitié tranchée : fil ténu du lien qui existe encore

 Ø ØLa fenêtre : rêve d’une vie

        ØLes    goûts de ELLE : dessin, littérature, danse

 










Dans ce travail d'analyse de mon autoportrait apparaît le problème de la vérité: celle que je perçois, celle que le spectateur détecte et la réalité vraie.

Quel lien unit l'image à l'identité?

Cet article, en dehors du problème « trop de morale ou pas assez ? », « la liberté de l’expression artistique en démocratie ?», me donne envie de reposer la question :

« Mais qu’est ce que l’art aujourd’hui? » « Quels objectifs ? »

                              

 L’action performative se retrouve dans l’art pictural, la danse, la poésie… J’ai vu des films relatant des performances, conservés à Beaubourg comme représentant des œuvres d’art contemporaines. Etait-ce de la danse ou des expériences scientifiques. Cela voulait être de l’art.

On y voit un homme se faisant tirer un coup de révolver dans un bras. Titre : « shoot », rester au lit pendant 22 jours sans se lever, faire brûler un pantalon volé au Muséum, mettre le feu au sol avec de l’essence alors que le performeur y est allongé nu, ramper sur du verre mains attachées dans le dos, s’enfoncer des punaises dans le corps, frôler la morts en étant menacé par la montée de l’eau et la présence d’électricité, respirer de l’eau pendant dix minutes au moins, le film est interminable, etc…Ces courts métrages datent des années 68, 70 et Chris Burden se met en scène en ayant pour objectif  le prolongement ou la  suspension de son corps dans l’espace temps.

                                  




Opinion de Richard Martel, défenseur du risque artistique performatif :

« Nous pensons que la performance est une actualisation d'éléments significatifs dans un espace-temps relatif. I1 nous importe particulièrement d'agir localement en fonction des lieux; le dispositif s'ajustant à ce moment prend une dimension contextualisée. Le fait de travailler en groupe amène une énergie de « confrontation » qui fait côtoyer alors diverses approches personnelles dans une synthèse dynamique. Nous partons habituellement d'un corpus d'intentions subjectives, d'éléments simples pouvant se modifier au fur et à mesure d'une énonciation, selon la situation. Une sorte de situationnisme de déplacements, tant au niveau des idées que de la mise en forme.

Nous postulons que les phénomènes de communication sont des « transformables » qui permettent l'incursion de l'aléatoire et de l'accidentel. C'est comme s'il y avait certains objets, certaines manipulations qui n'obtiendraient leur réalité performative que lorsqu'elles sont soumises à la tension de leur prestation. Le fait d'agir à plusieurs permet d'atteindre une densité non prévisible qui crée ainsi comme une sorte de balancement d'une proposition à l'autre.

Il n'y a pas d'exécution formelle rigide, pas de partition à interpréter. Tout au plus dans une comparaison avec le freejazz où les musiciens jouent ensemble sans nécessairement savoir auparavant ce qu'ils vont énoncer; il y a osmose des diverses composantes qui s'agitent, s'agglutinent, s'interpénètrent, s'énoncent finalement dans une sorte de Gesamkunstwerk - que les Allemands veulent considérer sous l'angle de l'œuvre‑d'art total.

L'acte performatif utilise des données du système de la connaissance plus ou moins objective, fait subir aux matériaux diverses manipulations qui vont occasionner des résultats en fonction des paramètres d'exécutions déterminés par le moment de leur évaluation.

Il y a des corps qui s'expriment et c'est dans les unités subjectives de leur durée et de leur nature qu'il y a migration de l'univers du connu et du mesurable dans l'incalculé et l'inorganisé. »

J’essaie de comprendre :

Le but artistique affiché chez Chris Burden est de dépasser la simple apparence du corps pour en révéler d’autres dimensions, sa condition, son espace intérieur, son étrangeté et son rapport au sensible au monde et aux autres. Ce n’est pas avec lui  de « l’incalculé et de l’inorganisé ».

Oleg Kulik a choisi de faire de son comportement une œuvre d’art comme Marcel Duchamp a choisi de faire de son urinoir une œuvre d’art nommée « Fontaine ».

Le programme zoofrénique de Kulik pourrait se définir comme un entredéchirement de l’âme, la bête représentée (chien, vache…) et celle qui sommeille en nous mais qui aurait disparu chez l’artiste. Il veut exprimer la violence des Pays de l’est pour mieux l’exorciser.

Ce qui me dérange c’est la présence incontournable de violence, de souffrance, de sang, de danger qui entraîne une torture visuelle au spectateur.

Pour conclure avec un peu d’ironie,  tout ceci a permis à Oleg Kulik de faire carrière. L’art contemporain russe est aujourd’hui inimaginable sans son œuvre. Il est devenu une figure incontournable du monde de la culture.

Alors ? L’art aujourd’hui ? Eternelle recherche du Graal ? Argent ?